Tubuh karya Artis Hyman Bloom dihormati. Dan mayatnya adalah mayat.

'Kaki Wanita' Hyman Bloom, 1951; minyak di atas kanvas. (Museum Seni Rupa, Boston/Timothy Phillips/Dari Stella Bloom Trust)

Lukisan mayat membusuk dan mayat terbuka yang dibuat oleh Hyman Bloom antara tahun 1943 dan 1954 merupakan salah satu karya seni Amerika yang paling luar biasa dan sangat mengganggu.

Lukisan-lukisan Bloom mengejutkan sekaligus mencengangkan. Mereka tersulut oleh warna-warna panas dan mengalir yang menghiasi permukaan mereka seperti api, memakan dan mengubah tubuh malang yang mereka gambarkan menjadi sesuatu yang berwarna-warni dan halus. Lukisan-lukisan, bersama dengan pilihan gambar berskala besar yang mempesona, adalah subjek dari pertunjukan yang luar biasa dan telah lama ditunggu-tunggu, Hyman Bloom: Masalah Hidup dan Mati di Museum Seni Rupa Boston. Bertepatan dengan hal baru yang luar biasa monografi di Bloom dan iklan pertunjukan di New York , pameran terasa seperti peristiwa besar.

Bloom (1913-2009) adalah sosok yang terlupakan. Tapi kecemerlangannya diakui secara luas pada pertengahan abad. Jackson Pollock, Willem de Kooning dan Franz Kline semua memujanya. Elaine de Kooning menulis cemerlang tentang pekerjaan awalnya. Cendekiawan Renaisans yang hebat Sydney Freedberg memanggilnya seorang virtuoso dengan cat. Dan dalam sepucuk surat kepada sesama penyair Elizabeth Bishop, Robert Lowell menulis: Hyman sangat konsisten, brilian, pertapa — semakin banyak orang mengatakan dia adalah pelukis terbaik di Amerika, dan memang begitu.

Pameran D.C. ini harus dilihat oleh semua orang yang peduli dengan krisis migran

Lahir di sebuah desa miskin Yahudi Ortodoks di Latvia, Bloom menghabiskan tahun-tahun awalnya tinggal di sebuah pondok kayu satu kamar dengan lantai tanah. Dia berusia 7 tahun ketika keluarganya tiba di Pulau Ellis pada tahun 1920. Mereka menetap dengan dua kakak laki-laki Hyman, yang telah beremigrasi sebelum Perang Dunia I, di sebuah rumah petak di West End Boston, delapan orang memadati tiga kamar.

Di sekolah, bakat Bloom diperhatikan oleh guru seni kelas delapan, yang mendorongnya untuk mendaftar di kelas menggambar di pusat komunitas. Artis Jack Levine, yang menjadi teman dekat Bloom, adalah sesama mahasiswa.

Guru mereka, Harold Zimmerman, mengembangkan bakat mereka dengan pendekatan eksperimental. Dia menyuruh mereka untuk melanjutkan dengan sangat lambat, mengerjakan gambar mereka dari ingatan daripada pengamatan langsung, dengan tanda dan penyesuaian kecil, selalu tetap sangat sensitif terhadap komposisi secara keseluruhan.

Sebagai seorang remaja, Bloom menggambar petinju dan pegulat (dua kakak laki-lakinya adalah binaragawan) dan - dalam satu gambar menakjubkan yang disertakan dalam pertunjukan - seorang pria berotot raksasa melepaskan diri dari tali tebal di atas roda penyiksaan. Untuk semua karya terbaiknya, kebebasan melukis yang berani, menggambar — dan sosok manusia — tetap mendasar sampai akhir.

Melalui Zimmerman, Bloom bertemu dengan Denman Waldo Ross, seorang profesor di Universitas Harvard. Ross mensubsidi pendidikan seni berkelanjutan anak laki-laki itu. Dia menginstruksikan mereka untuk melukis satu malam dalam seminggu sementara Zimmerman melanjutkan kelas menggambarnya. Zimmerman juga membawa Bloom dan Levine ke New York, di mana Bloom bertemu dengan Chaim Soutine dan Georges Rouault, yang menjadi bintang utama karyanya di kemudian hari.

Di akhir usia 20-an, karier Bloom melejit. Dia melukis sinagoga, pohon Natal, dan pengantin dalam idiom yang mengacu pada Soutine, Rouault, Marc Chagall, dan Jean Dubuffet, tetapi itu masih tampak sepenuhnya orisinal. Dia mulai mendapatkan dukungan dari orang-orang seperti Dorothy Miller dan Alfred Barr, kurator di Museum of Modern Art, dan segera menginspirasi sesama seniman, termasuk de Koonings dan Pollock.

Pada tahun 1941, Bloom memiliki pengalaman yang sangat mengubah kehidupan batinnya dan lintasan seninya. Teman dekatnya Betty Tovey bunuh diri, dan keluarganya memintanya untuk mengidentifikasi tubuhnya di kamar mayat.

Bloom telah mengenal Tovey selama lebih dari satu dekade. Mereka telah berbagi rumah dan studio di Boston. Dia bepergian dengan baik, kosmopolitan, pemain biola ulung dan 10 tahun lebih tua darinya. Keduanya tampaknya bukan sepasang kekasih, tetapi Tovey adalah orang kepercayaan Bloom selama periode yang membuatnya bergulat dengan kecemasan dan kebingungan spiritual. Ketika dia pindah dari mempraktikkan Yudaisme, dia berbagi minatnya pada sastra metafisik. Bloom mulai mendalami teosofi, Vedanta (salah satu cabang utama filsafat Hindu) dan bentuk-bentuk spiritualisme lainnya. Dia tetap menjadi pencari sepanjang hidupnya.

Pengalamannya melihat tubuh Tovey di kamar mayat membawanya untuk melihat kematian dari perspektif yang baru dan lebih indah. Saya memiliki keyakinan keabadian, tulisnya, menjadi bagian dari sesuatu yang permanen dan selalu berubah, dari metamorfosis sebagai sifat keberadaan.

Pengamat sekilas seni Bloom selama dua dekade berikutnya mungkin menganggap dia terobsesi dengan morbiditas dan kematian. Dan dengan cara dia. Tetapi apa yang benar-benar menyibukkannya adalah jalinan yang mendalam, ketidakterpisahan terakhir, antara hidup dan mati.

Pandangan Bloom tentang tubuh hampir seperti menjebak , penyamaran untuk dirusak dan dibelah, yang lebih baik untuk dilihat, memiliki banyak pendahulu dalam seni Eropa. Seniman Renaisans Utara, misalnya (terutama Matthias Grünewald), telah melukis tubuh Kristus yang sangat hancur dengan tujuan khusus untuk melampaui jasmani. Karya elektrifikasi Bloom dapat dilihat sebagai bagian dari tradisi ini.

Dua tahun setelah mengidentifikasi tubuh Tovey di kamar mayat, Bloom bertemu dengan seorang teman, artis David Aronson, yang sedang dalam perjalanan ke Rumah Sakit Kenmore Boston untuk melihat mayat. Dia mengundang Bloom.

Sebagian besar catatan seni Barat sejak Renaisans mencakup kisah-kisah seniman pelanggar tabu yang, ingin tahu tentang struktur internal tubuh manusia, mengalihkan perhatian mereka ke mayat, sering memicu kontroversi. Leonardo da Vinci dan Michelangelo mempelajari dan membedahnya. Rembrandt dan rekan-rekan Belandanya memajukan tradisi di abad ke-17.

Jadi gambaran tentang dua pelukis muda Yahudi yang ambisius di Boston berjalan bersama ke rumah sakit untuk melihat mayat tidak dengan sendirinya luar biasa. Namun hanya karena tahun itu 1943, dan sejumlah besar rekan-rekan seniman Yahudi ini disapu ke seluruh Eropa dan dikirim ke kamp konsentrasi di mana mereka dibunuh secara sistematis, sulit untuk tidak dihantui olehnya.

Bloom tidak bermaksud lukisan-lukisan berikutnya — yang mendominasi pertunjukan ini — sebagai komentar tentang Holocaust. Namun, pengungkapan tentang bencana di Eropa pasti telah dimasukkan ke dalam imajinasinya sendiri. Dan mau tidak mau, pengetahuan kita tentang peristiwa-peristiwa itu membentuk bagian dari prisma yang melaluinya kami Lihat mereka.

Dekade setelah perang, Bloom menghasilkan karya terkuatnya — tidak hanya gambar mayat dan otopsi, tetapi juga gambar abstrak yang menarik dari gerombolan harta karun yang digali. Karya-karya berkilauan ini, dibangun dengan bagian-bagian cat bertekstur yang indah, menggambarkan subjeknya seolah-olah ditata secara horizontal (seperti tubuh di atas lempengan) dan dilihat dari atas.

detoks untuk tes obat gulma

Bloom terinspirasi sebagian oleh gambar penemuan arkeologi baru-baru ini. Dia memberi lukisan-lukisan itu judul seperti Arkeologi Harta Karun dan Peta Harta Karun, mengundang kita untuk melihat analogi antara harta yang digali (dan kaca opalescent yang sangat dia sukai) dan luminositas berkilau dari interior tubuh.

Sepuluh tahun setelah Bloom mewakili Amerika Serikat di Venice Biennale (bersama dengan Pollock dan de Kooning), ia dipasangkan dengan seniman Inggris Francis Bacon dalam sebuah pertunjukan di University of California di Los Angeles.

Betapa saya ingin melihatnya ditata ulang. Kedua seniman itu sibuk dengan sisi hina tubuh manusia — tubuh sebagai daging. Tetapi Bacon, seorang eksistensialis yang teliti, tidak memiliki tulang spiritual di tubuhnya. Hidup, baginya, adalah bentuk teater, permainan yang ditakdirkan untuk kesia-siaan. Bloom, sebaliknya, berpikir ada sesuatu yang lebih. Dia adalah seorang seniman visioner, jatuh cinta dengan alur pemikiran yang menjadi semakin tidak modis untuk dicintai. Dia tidak peduli dengan kesuksesan dunia seni.

Ketika kurator museum mengunjungi studionya, ia terkenal dengan mengubah kanvasnya ke dinding. Saya sudah lama bertanya-tanya: Apakah Bloom berusaha menyembunyikan karya-karyanya dari mata yang dianggapnya tidak dapat dipahami? Atau apakah dia menyadari bahwa hal-hal baru-baru ini tidak sesuai dengan pekerjaannya sebelumnya?

Mungkin dia hanya bersikap rendah hati. Pada akhirnya, seperti banyak pencari sejati, Bloom menempuh jalannya sendiri. Dia melihat apa yang dia lihat. Menjadi semakin tidak penting baginya bahwa kita semua juga melihatnya. Dia menghasilkan hal-hal baik selama beberapa dekade berikutnya. Namun karya-karya yang ia lukis dalam satu dekade setelah Perang Dunia II tetap menjadi pencapaian besar dan tak terhapuskan.

Hyman Bloom: Masalah Hidup dan Mati Sampai 23 Februari di Museum of Fine Arts, Boston. mfa.org .

Foto yang paling menggetarkan dari misi Apollo bukanlah bulan. Itu dari Bumi.

Hilma af Klint, wanita yang melukis masa depan

Apakah film dokumenter alam adalah seni terbesar di zaman kita?